Dix ailes est une proposition musicale pour 2 voix féminines, 1 percussionniste, 1 dispositif électronique et 1 lieu à grande réverbération.
Entre musique minimaliste et pop épuré, Dix ailes joue sur une illusion acoustique, celle de rendre indistinguable l'origine du son (instrumentale, haut-parlante ou architecturale), à partir d'un travail sur les harmoniques, les vibrations fréquentielles, la résonance physique des lieux, la psycho-acoustique.

Essentiellement centré sur la voix, DIX AILES aborde les notions de vide et de plein, d'écoute interne et de silence, de liminarité et de transformation. Par un principe de composition initiale basé sur les symboles et les archétypes, la musique de DIX AILES fait écho aux rituels et aux mythes universels, et partage avec eux un langage qui tente d'échapper aux enchainements de la logique rationnelle, et ainsi d'ouvrir sur un paysage poétique contemporain, fait d'archaïque et d'invisible.

Jean-Brice Godet

Au début des années 80, Jonasz laissait des messages morts d’amour sur mini-cassettes. Au début des années 2020, Jean-Brice Godet enrôle, lui, dictaphones et radio au service de l’autofiction. Et cette intimité révélée, joueuse, et hardie, s’avère aussi drôle que mélancolique. Fort de ses compagnonnages avec Joëlle Léandre, Fred Frith et l’ONCEIM, Godet pousse même plus loin le bouchon. Les clefs de sa clarinette laissent naître de païennes petites épiphanies. Ces révélations qui pointent quand notre regard se pose sur une œuvre ou un paysage. Épiphanies, c’est aussi le titre de ce solo. Le son y joue le rôle de révélateur, de monocle sous lequel le tympan voit s’allumer et danser un ailleurs insoupçonné. Musique physique et concrète. Dense et communicative. Pas mal pour fêter le printemps.

Pièce immersive pour dispositif d’enceintes, objets vibrants, amplificateurs et 4  improvisateurs.

Les musiciens sont au centre d’un dispositif constitué de cercles concentriques d’objets vibrants, d’amplificateurs et du système de diffusion. Le public se déplaçant librement au coeur de l’installation.
Sur des principes de musique concrète et de répétition la pièce est composée par superpositions de matières et d’espaces. Superpositions rythmiques, harmoniques ou de timbres, mais principalement  superpositions d’univers. Comme le soundfield recording, la musique est créée par empilement. Des éléments distincts créant une seule masse sonore, une seule vibration.
L’orchestre nourrit une envie de jouer avec les prismes. Chaque musicien amène son point de vue, son envie à la pièce, renouvelant constamment sa forme et son énergie.Le travail de composition est axé sur la distension du temps, de l’espace et la périodicité. L'accent est mis davantage sur le “quand"et le “comment" que sur le “quoi”. Le matériau y est brut, exigeant, rugueux, électrique & électronique. Horns illustre un besoin de créer dans une radicalité du non-volontarisme esthétique et sonore. Laissant ainsi apparaître de nouvelles strates musicales et sensorielles profondes, se détachant des principes d’interplay et d'écoute causale. Il est important de raconter des histoires, et de laisser l’auditeur ou l’interprète se raconter les siennes, qu’elles soient incarnées par la musique ou perçues physiquement.

Youmna Saba
Youmna dans les Villes. Une fois n’est pas coutume, on aura eu l’idée avant Wim Wenders. Et ici, le Polaroïd témoin des tribulations du héros est remplacé par le oud. Musicienne et compositrice libanaise, Youmna Saba affirme que son langage musical s’inspire du fourmillement électrique des rues beyrouthines. D’une ville à l’autre, la voici au centre de Paris pour continuer d’explorer de quoi est faite une ville, de quoi sommes-nous faits dans une ville. En résidence à la Cité internationale des arts, épaulée par Césaré, Youmna Samna cherche. Les moyens de tisser des liens entre le système musical arabe et la musique électronique, les moyens de réunir la technologie et le processus de composition. Son instrument, le oud, s’est vu pimpé d’une nouvelle dimension électronique. Les anciennes habitudes s’éteignent, un être s’éveille.

La musique de Daumenkino Trio (ex-Vocuhila Trio) créé des zones de glissement entre instruments acoustiques et dispositifs électroniques, ritournelles, free jazz et improvisation libre.
Les allers-retours entre séquences mélodiques répétitives et libre contrepoint provoquent à la fois une sensation d'images persistantes et de mouvement permanent.

Créé en 2013 Moop a sorti son premier album autoproduit en 2017. Demeuré en quartet pendant plusieurs années, Moop est récemment devenu un trio. Pour l’occasion, le groupe a enregistré un second album : Ostara. Avec Erwin Toul à la batterie, William Brandy au saxophone baryton et Julien Coupet à la guitare, Moop a creusé son imaginaire sonore. Les trois musiciens jouent une musique chargée en énergie, aux couleurs denses. Une intense brillance se juxtapose à des ruptures dynamiques et de sombres atmosphères.

Masterclasse en compagnie des élèves du CFMI de Poitiers.

Toujours bon de savoir faire le pont. Et The Bridge s’y entend à merveille. Pour le quinzième et dernier ensemble de la première génération, le projet transatlantique rétablit une fois de plus musiciens français et chicagoans. Au-dessus des bouillonnements de l’Océan et de l’époque. Au-dessus de la démesure, au sein de ce qui définit un musicien : s’asseoir sur les courbettes, jouer avec les équilibres instables et provoquer les habitudes établies. Et tenter de savoir rester une tête de pont. Le combo engagé ici, en a trois. Aussi bien faites que bien pleines. Tricéphale, la bestiole agencée par The Bridge #15 ? Pas certain. À bien considérer le rapport à la musique de ces trois improvisateurs, leur attention à ce qu’elle requiert de patience et d’humilité, à ce qu’elle offre de possibles rencontres, la tête de ce trio apparaît unique. Au sens philosophique du mot. Pleine d’un seul élément, soi-même. Tout entier et multiple au cœur de la musique inventée par et pour cette occasion réunie — cet heureux incident qu’il y a à être au monde, fignolerait Philippe Carles. Et heureux de ce futur incident, JayVe Montgomery, Didier Petit et Edward Perraud le semblent déjà. Pour le reste la règle reste inchangée, maline et audacieuse. Deux frenchies/un yankee, tenant ici violoncelle, saxophone, flûte et batterie. Outils pour questionner le monde et vous mettre dans l’oreille des mondes improvisés. Sensibles, étranges, insensés. Beaucoup mieux qu’une partie de 1, 2, 3 soleil.

The Bridge#15 aurait dû réunir sur scène Josh Berman, Jason Stein, Didier Petit et Edward Perraud, mais les empêchements actuels en ont décidé autrement. Le cornet de Berman et la clarinette basse de Stein se feront certes entendre, sur scène, mais à distance, par le biais des enregistrements effectués à Chicago dont disposeront à leur guise leurs partenaires de scène. 

Qonicho D
Morgane Carnet est une saxophoniste qui connaît son Alphabet. Ou, mieux, son B.A-BA. Au point de fignoler Qonicho D. Autre power trio de la soirée, Qonicho assure la parité parfaite. De genre et d’esprit. Là aussi, on noie le poisson dans des eaux espiègles, puissantes et un peu punks. Ce D de Qonicho, qui suit logiquement les versions A, B et C, cherche la bagarre et la transe. Voici une façon de free (jazz) ascensionnel manipulé à mains nues. Sans forfanterie ni décorum. Les fûts que martèle Blanche Lafuente ont l’air plus sûrs que ceux sortis de Fessenheim et la basse bousculée par Fanny Lastargues emporte ce D loin vers le hasard.  Celui dont sortira, au fil des improvisations, jazz barré, rock coquin ou embardées technoïdes. Faites vos jeux, tout va pour le mieux.

On écrivait pour Jazz à Poitiers en 2017 : "Nelly Mousset aime tout ce qui grogne, frotte, crie et tiraille". Bonne nouvelle, rien n'a changé. Tout, tout peut continuer. En plus profond, en plus intriguant et en plus ouvert, aussi. La contrebasse joue toujours les pivots de l'axe de jeu, le son est toujours au cœur du système vibratoire. Mais le regard s'est acéré, le toucher précisé davantage. S'il y a drone, c'est avec un sens de la finesse qui tire les moustaches de l'indicible. S'il y a voix, c'est avec le souci de l'entrelacer aux quatre cordes. Bien entendu, Nelly Mousset, passée par le Lobe, le ZAP et le CFMI n'est ni tombée de la dernière pluie, ni de l'oreille d'un sourd. Sa maîtrise sonore est sans cesse remuée puis renouvelée par un corps mis de plus en plus à contribution. Mis en question : comment le positionner ? Que raconte-t-il ? Est-ce l'image qui créé le son ou la vibration qui fait voir double ? Sans doute, peu de réponses explicites sont à attendre de ce premier concert jeune public et familial. Et c'est tant mieux, il restera autant de place disponible pour les sensations à recevoir d'une musique dont la moindre des qualités est de savoir frotter, grogner et tirailler. Le tout entre deux bouchées d'un goûter. Digestion assurée.