Piak Electroacoustique
Plus tard dans la soirée, on les retrouvera furieusement free. Mais pour l'heure de la sieste, ils déposent les armes et triturent des platines sabotées, des amplis cabossés, des synthés déglinguées, pour faire fourmiller de sons le paisible jardin du Confort. On sort les transats, on se pose et on se laisse bercer, l'esprit quiet et la conscience au repos, en attendant l'orage du soir...

Noir
Noir est un texte issu du livre de Christophe Tarkos, Le Signe =. Flore Audebeau et David Chiesa inventent un dispositif avec vidéoprojecteurs, stroboscopes, machine à fumée, haut-parleurs et lumière à très faible intensité. On plonge dans la matière noire dense, dans une nappe électroacoustique où se mêlent contrebasse et effets visuels envoûtants. Perte de repères, ivresse des sens... Une dérive dans la nuit, dans l'inouï, guidée par les mots de Tarkos, comme des cornes de brume qui résonnent dans les ténèbres.

Phonoscopie - “Sécante”
À mi-chemin entre l'installation sonore et la musique de chambre, Phonoscopie est un dispositif immersif pour six auditeurs plongés durant une quinzaine de minutes au centre d'un fantastique acousmonium de proximité. Un espace sonore qui s'étend du très intime au lointain. Des mains qui manipulent des objets sonores au plus près des oreilles, des haut-parleurs savamment disposés qui font tomber les murs et ouvre l'écoute sur des immensités insoupçonnées... Une expérience unique.

Dieu
Dieu ?! Dieu, himself ! On y croit, ou pas, mais Il s'invite à Bruisme.Un Dieu cinglant, qui fouaille le corps de la musique à la limite du dérèglement sonore, du silence, du bruit, du doux, du cri, du rien. Il a quitté ses hauteurs divines pour visiter les tréfonds du son et s'incarner ici en ce trio d'apôtres fildeféristes qui maintiennent un équilibre instable entre sourde introspection et collusion retentissante.Dieu est sur terre, et à Poitiers. Ce n'est pas un miracle, c'est Dieu.

Chocolat Billy
Membres de la mafia bordelaise des Potagers Natures, les Chocolats Billy débarquent avec un nouvel album tout frais dans leur musette. Ils jouent aux chaises musicales et s'échangent les instruments à la volée pour mieux désorchestrer une furie sonore aussi joyeuse et dansante que méchamment grinçante. Un bien beau bordel en forme d'orgie foutraque qui accouche de lives imparables.

Russell Haswell (live set)
Pilier du formidable label Diagonal aux côtés de Powell, collaborateur régulier de quelques figures de l'électro haut de gamme (Autechre, Aphex Twin, Surgeon...), saboteur effronté de dance-floor ou harsh noiser féroce, Russell Haswell bifurque allègrement avec pour seule constante un foutu talent. Une faculté rare à enquiller les bruits électroniques inouïs et les assauts sonores merveilleux. Plutôt sauvage, certes, ça pique un peu c'est vrai, mais c'que c'est bon !

Tocc Beat Club
Quatre improvisateurs de haute volée qui s'attellent à l'électro en mode dance floor assumé. Là où bien d'autres se sont cassés la gueule pour accoucher de kilomètres d'électro-jâze soporifiques, le crew lillois relève la gageure avec un bonheur épatant. Et on frétille du postérieur sur des beats imparables, porté par des nappes de Rhodes fiévreuses, excité par les larsens d'une guitare méconnaissable ou une trompette qui se sample en souffles continus. Une petite claque aux excités de la mixette…

Phonoscopie - “Sécante”
Diffusion pour 6 personnes, durée : 15 minutes
Réservation obligatoire uniquement sur place

À mi-chemin entre l'installation sonore et la musique de chambre, Phonoscopie est un dispositif immersif pour six auditeurs plongés durant une quinzaine de minutes au centre d'un fantastique acousmonium de proximité. Un espace sonore qui s'étend du très intime au lointain. Des mains qui manipulent des objets sonores au plus près des oreilles, des haut-parleurs savamment disposés qui font tomber les murs et ouvre l'écoute sur des immensités insoupçonnées... Une expérience unique.

Soirée de lancement du festival BRUISME#8

Facteur Sauvage
Un power trio au son compact, grenu et brut. Un basse-batterie rugueux, nourri au blues crasseux d'un bayou occitan improbable, parcouru par une voix chauffée à blanc qui fulmine entre spoken words hallucinés et scansion primale. On pense à Shellac, The Ex, aux Swans ou No means No. À Beefheart aussi, Tom Waits ou même Ferré... Et puis on ne pense plus, surtout. On encaisse ce rock primal, sauvage et beau, cette poésie furieuse, qui vient des tripes.

Bruisme paye son coup
Après avoir attaqué les esgourdes, on vous régale les papilles. Vins natures, jus bios et grignotis maison. Mens sana in corpore sano…

The Young Mothers
Le bassiste norvégien Ingebrigt Håker Flaten (The Thing, entre autres) s'est acoquiné à des musiciens d'Austin et Houston, pour monter ce power combo qui défie toute tentative d'étiquetage. Jazz, un peu forcément, rock, carrément dans l'esprit et dans le son, punk dans la rage de jouer ou la fausse désinvolture, Afrobeat pour la touche épicée et hip hop avec les envolées vocales d'un trompettiste-phraseur à mi-chemin entre Don Cherry et Eyedea. Un beau bordel stylistique pourtant d'une cohérence rare, la musique des Young Mothers est libre de toute promesse de consensus musical. Les dérapages rap, les sons grindcore massifs et les passages free font partie intégrante de compositions incendiaires ou d'impros libertaires. Les différents egos musicaux du groupe suivent un concept étrangement discipliné et pourtant anarchique. Un mélange frais et pas bien orthodoxe que leur bassiste initiateur mais non-leader décrit comme sa vision du jazz d'aujourd'hui. De quoi ressortir la citation intemporelle de Zappa : " le jazz n'est pas mort, il sent juste bizarre"...

Horse Lords
Dans les traces de La Monte Young, figure de la musique minimaliste et précurseur du drone, Horse Lords emprunte les chemins de traverse du math­-rock. Depuis ses mixtapes expérimentales jusqu’à son troisième album Interventions, le groupe de Baltimore entremêle rythmes asymétriques de batterie et motifs hypnotiques de guitare à des pièces au saxophone languissant ou au bourdonnement synthétique. Mais sur scène, fi de toutes ces considérations techniques, on a affaire à un foutu groupe de rock aux lives imparables.

Reproductions explosives - projet de recherche

En Guyane, les premières fortes pluies de décembre marquent la fin de la saison sèche et forment des mares temporaires en l’espace de quelques jours. C’est le moment qu’attendent des milliers de grenouilles pouvant appartenir à quinze espèces différentes pour se concentrer dans quelques dizaines de mètres carrés et pour une unique nuit de frénésie sexuelle. Ces rassemblements, réunissant parfois plusieurs dizaines de milliers de grenouilles vertes, brunes, grosses ou minuscules qui se bousculent et s’enserrent dans un chaos sonore, produisent un grand spectacle naturel, au même titre que la migration des gnous en Afrique australe ou les sauts de baleines à bosse. Ces reproductions explosives intriguent les biologistes qui essaient de comprendre pourquoi et comment elles se produisent.

Le pic d’activité de la reproduction offre un spectacle visuel mais génère également un mur de son avoisinant les 100 décibels. L’entièreté du spectre sonore généré est audible par l’homme et peut être entendu à plusieurs centaines de mètres de la mare, si bien que l’étude du phénomène nécessite des protections auditives. La manière dont les différentes espèces présentes retrouvent leurs partenaires potentiels dans une telle cacophonie reste également un mystère, la distinction des différents phonèmes restant extrêmement compliquée à établir pour une oreille humaine.

Un tel évènement créé les conditions parfaites pour la rencontre entre un herpétologue, Antoine Fouquet, et un artiste sonore, Thomas Tilly.

En décembre 2016, ils ont installé un campement à proximité d’une de ces mares encore à sec afin d’observer et d’écouter le comportement des différentes espèces avant le déclenchement de l’explosion. Enrichis des précédents enregistrements de Thomas Tilly sur ces mêmes sites, ils ont voulu tester si la diffusion d’enregistrements sonores de reproductions explosives pouvait inciter certaines espèces à se rassembler dans la mare encore à sec et le cas échéant d’en savoir un peu plus sur de potentiels signaux acoustiques utilisés par les espèces participant à ces regroupements.

Codex amphibia - pièces de Thomas Tilly

Ces recherches et expériences sont l’occasion pour Thomas Tilly de collecter une matière sonore inestimable. Il ne s’agit pas pour autant d’oublier le sensible au profit du seul processus analytique, mais bien de tenter un frottement entre les deux ; capter les mutations de l’environnement et les lignes acoustiques qui s’y tissent, tout en imaginant déjà un possible dialogue avec des éléments électroniques joués ultérieurement en studio ; établir un va-et-vient entre ces dialogues naturels et des interprétations (traductions) artificielles (et forcément culturelles).

La suite de pièces présenté dans Codex amphibia est donc une alternance de ces fragments captés et de leurs interprétations, tantôt présentés seuls, tantôt mixés ensembles. Ils suivent le schème de la reproduction explosive dans sa chronologie, au fil d’un découpage en trois phases : la pré-explosion, l’explosion, la post-explosion.

Depuis plus de vingt ans, Xavier Charles s'impose - sans être le seul, mais quand même... - comme celui qui aura fait franchir à la clarinette un certain nombre de seuils, en la faisant sortir des modes classiques de jeu. Inspiré par la matière, les sons du quotidien, du vivant et les langages musicaux contemporains, il aura su la porter là où peu d'autres se sont aventurés. En solo, avec The Ex, Getatchew et toute la clique, ou au contact d'une foultitude d'improvisateurs internationaux toujours haut de gamme, il mêle ses stridences au rock noisy, à l'impro radicale, au jazz, aux musiques du monde comme au contemporain. Un profil plutôt très proche de celui de ses acolytes de Defuse, son nouveau projet sans frontière. Roger Turner, la classe incarnée de la batterie free et Thomas Lehn, dompteur de synthétiseur analogique antédiluvien, sont de la même trempe.

Ensemble, ils bouleversent sans cesse et sans repos les espaces sonores. La clarinette se change en bruit étrange, le synthétiseur emprunte la forme sonore de l'eau et les percussions deviennent autant de surface d'expérimentations sonores. Une surprise permanente pour l'auditeur, mais aussi, semble-t-il, pour les musiciens eux-mêmes. Se découvrant, redécouvrant le plaisir de jouer comme si c'était la première fois, mais avec un engagement des dernières fois. Une musique sans cesse inattendue, sans cesse intempestive au sens propre du terme, et toujours absolument singulière.

Première partie
Carte Blanche au élèves de l'atelier d'improvisation du Conservatoire de Poitiers

Barbares
Barbares pourrait prendre racine dans la poésie d'Henri Michaux. Un poète qui disait de lui-même qu'il était « né troué ». Ce qui se joue au sein de ce quartet est peut-être là. Comment produire une musique poétique et trouée ? Trouée, c'est à dire discontinue et manquante.

Peut-être que tout cela se joue dans le rythme. Un discours musical et rythmique qui accumule, envisage les espaces et les discontinuités de la pratique sonore. Il y a chez Michaux comme chez Barbares une histoire d'empilement d'expériences. Une manière de rendre audible, visible, l'invisible du rythme, l'invisible d'un sensible poétique.

Canalisé par la batterie cadencée de Makoto Sato, mais excité par les bidouillages tous azimuts des synthétiseurs de Jean-Marc Foussat, le sopranino de Jean-Luc Petit (comme aussi bien son ténor lyrique ou sa clarinette tellurique) se tord en tous sens, soutenu par le trombone imperturbable et pointilliste de Christiane Bopp dont on ne sait trop si elle souffle ou si elle chante. Toujours un peu des deux sans doute.

Et tout est parfaitement à sa place, la machine tourne à plein régime. Finalement. Un flux parfaitement imperturbable, se jouant des trous, des discontinuités. Comme on zigzague entre les ornières d'un chemin de traverse bien plus excitant que toutes les lignes droites qu'empruntent parfois trop de musiques.

Trio d'improvisation au sens le plus strict du terme - disons une rencontre en direct entre des faiseurs de sons, sans partition, sans conduite préétablie, sans peur de ce qui peut advenir... - Tournesol fait naître une musique métallique, parfois grinçante mais tout en suspension, en intensité. Une musique à la marge d'un sensible qui gratte, qui dérange, qui interroge. Une musique en puissance, qui varie de tensions en tension, de frottement en grincement, avec toujours une attention particulière portée au touché. Une guitare qu'on effleure, la contrebasse qu'on fait crisser, les percussions qu'on détourne en caresses vibratoires... Le geste musical, ce contact des corps qui se meuvent l'un contre l'autre, de la main sur l'instrument, du corps tout entier dans la musique toute entière, donne naissance à des univers sonores organiques, sensuels même peut-être, comme quand parfois la douleur peut engendrer le plaisir. Mais un trio pas forcément sado-maso ! Juste une quête du beau là où on peut avoir tendance à ne voir que stridence et dissonances. Une mesure à prendre dans toute sa démesure. Bref, plus simplement, une musique à apprécier en live, pour en sortir brassé. Et au final, tout ce qu'on aime aussi attendre de l'expérience du concert. Un voyage, un instant d'intensité qui brise le quotidien.

SYLVIE COURVOISIER TRIO / 20h45

Active depuis le milieu des années 1990, Sylvie Courvoisier a su s’imposer comme une pianiste incontournable de la scène internationale (en témoignent ses collaborations avec John Zorn, Mark Feldman, Yusef Lateef...), mais aussi et surtout comme une voix singulière dans le monde des pianistes de jazz. Adepte d’un piano tout à la fois pulsionnel, gestuel et cérébral, elle franchit aujourd’hui une nouvelle étape en s’attaquant de manière toute personnelle à la formule pourtant maintes fois explorée du trio piano-basse-batterie.

Accompagnée de deux monstres sacrés de la scène downtown new-yorkaise, extraordinaires de complicité et de fluidité organique, Sylvie Courvoisier nous dévoile une nouvelle facette de son œuvre, définitivement à part.

Sylvie Courvoisier figure parmi les pianistes les plus créatifs de la scène new-yorkaise, combinant une technique remarquable à une ouverture esthétique embrassant la musique classique, le jazz, l’improvisation et bien plus. Ce trio s’impose comme une combinaison parfaite d’improvisation et de composition. Un projet essentiel qui met en valeur un nouveau monde musical passionnant.

John Zorn

PIVIXKI
Toujours à mi-chemin entre Xenakis et Napalm Death, fort d’un deuxième album survolté et de quelques récentes collaborations avec Mike Patton, le plus improbable des duos trace tout droit et à fond la caisse une route pourtant bien chaotique. Entre frénésies grind et courtes pauses hypnotiques, la rencontre brutale entre deux mondes finalement pas si éloignés.
À voir sur youtube : ”Pivixki, live at the Empress, part 3”

MARCO FUSINATO SOLO

Artiste sonore et visuel, artisan du chaos comme matériau principal, Fusinato malaxe la matière sonore et s’emploie à empiler des strates de masses noisy jusqu’à créer un mur du son monumental, aussi massif que prêt à s’effondrer sur un public désemparé, mais qui finit par trouver la voie de la sérénité au sein d’un magma qu’on imaginerait pourtant plutôt terrifiant.

À voir sur youtube : ”Marco Fusinato”, mis en ligne par Lamronormal

WILL GUTHRIE SOLO
À chaque nouvelle prestation, l’australien de Nantes enfonce le clou. À l’électronique ou aux tambours, seul, au sein de The Ames Room ou d’Elwood et Guthrie, chacun de ses concerts sont autant de pépites musicales.

Un prodige tout en humilité et décontraction qui, quand il décide de voir jusqu’où on peut aller avec une « simple » batterie, réinvente la percussion et mixe cymbales et toms en un long flot continu, intense, roboratif et exténuant. Une transe à laquelle on s’abandonne, imparable, et qui vous laisse lessivé mais totalement apaisé.
À voir sur youtube (en plissant les yeux et tendant une oreille...) : Hudba bez not – Will Guthrie

BASTARD NOISE  Noise Expérimentale/Grindcore/Powerviolence Culte!

La déflagration Man Is The Bastard commence en 1991 et reste à ce jour à peu près sans équivalent. Cette powerviolence avant-gardiste, combinaison brutale de hardcore, de riffs complexes et d’électronique, aura donné naissance à une trentaine de sorties en 6 ans. Toujours en 1991, Bastard Noise se forme en marge de M.I.T.B. bien que guidé par des intentions similaires. 20 ans plus tard, on a bien saisi la logique de cette doublette : Bastard Noise dépasse la plupart des limites attribuées à l’étiquetage du genre, qu’on le dise hardcore, powerviolence ou grindcore, noise ou industriel. Il est, au choix, tout cela ou rien du tout. Il dessinerait avec soin une représentation abstraite de toutes les haines modernes. Pendant que 1545 nouveaux artistes par an nous bassinent avec leurs dingues applexpérimentations sorties du dernier logiciel en freeware, Bastard Noise expérimente discrètement à partir de processeurs et autres ustensiles faits maison. Et non, il ne s’agit pas d’esbrouffe, mais de contrôle total. On ne fait pas du neuf avec du commun. Si Bastard Noise a partagé scènes et disques avec les meilleurs, s’il collaborait avec Merzbow en 1996, s’il traîne dans son sillage un certain Agoraphobic Nosebleed, si le batteur Danny Walker joue ou a joué dans Intronaut, Uphill Battle et Exhumed, ce n’est pas que du hasard et du copinage. Personne ne fait se rencontrer autant d’univers sans qu’une bonne raison ne puisse l’expliquer. 
Non, le mot culte n’est pas que galvaudé.

DYSMORFIC  Grindcore jusqu'à la mort

Powerviolence, grindcore. Sous-division ou excroissance du punk/hardcore, powerviolence signifie dissonance. Crudité. Radicalité. Saccades. Noise. Man is The Bastard, Siege, Yacopsae, Hellnation, Capitalist Casualties sont autant de formes de powerviolence, des plus bruitistes aux plus épileptiques. Dysmorfic fait à coup sûr perdurer la définition du genre. 

-Running Order sous réserve-